«Για να διατηρήσουμε τη σχέση με το κοινό μας – την οποίο προφανώς είναι πολύ σημαντικό για μας να καλλιεργήσουμε – ανεβάσαμε πολλές παραγωγές στο διαδίκτυο».

Ο Βρετανός σκηνοθέτης John Fulljames είναι από το 2017 καλλιτεχνικός διευθυντής της Βασιλικής Όπερας της Δανίας. Μεταξύ 2011 και 2017 εργάστηκε ως Αναπληρωτής Διευθυντής στο Royal Opera House στο Λονδίνο, όπου μεταξύ άλλων συνεργάστηκε στενά με τον Kasper Holten.

Πριν δουλέψει στη Βασιλική Όπερα, ο John Fulljames ήταν επικεφαλής του The Opera Group (τώρα Mahogany Opera Group). Επιπλέον, έχει συνεργαστεί με ένα ευρύ φάσμα συνθετών. Οι παραγωγές του περιλαμβάνουν: Fidelio (Royal Danish Opera, Teatr Wielki), Aufstieg und Fall der Stadt Mahagonny, La Donna de Lago, (Royal Opera House London), Orphée (Royal Opera House London & La Scala Milan), Nixon in China (Scottish Opera, Royal Danish Opera), Benjamin La Derniere Nuit (Lyon), Street Scene (Young Vic, Teatro Real Madrid, OperKoln), Από το σπίτι των νεκρών, Romeo et Juliette, La Clemenza di Tito, Hansel und Gretel, Saul (Opera North).

– Πιστεύω δεν θα εκπλαγείτε που η πρώτη μου ερώτηση είναι πώς τα πήγατε με την πανδημία.

Η πανδημία ήταν δύσκολη για τη Δανία, όπως και αλλού. Κλείσαμε το θέατρο τον Μάρτιο και στη συνέχεια ανοίξαμε ξανά τον Αύγουστο. Νομίζω ότι ήμασταν ένα από τα λίγα θέατρα στην Ευρώπη που έκαναν πλήρεις σκηνικές παρουσιάσεις το φθινόπωρο, από τον Αύγουστο έως τον Δεκέμβριο, όταν κλείσαμε για δεύτερη φορά. Αυτήν τη στιγμή είμαστε κλειστοί ως τις 28 Φεβρουαρίου, ελπίζουμε ότι θα μπορέσουμε να ανοίξουμε ξανά τις επόμενες εβδομάδες. Πριν κλείσουμε για πρώτη φορά τον Μάρτιο και επίσης το φθινόπωρο, επιτρέπονταν το πολύ 500 άτομα στη σκηνή και την αίθουσα, οπότε όταν αφαιρέσετε τη χορωδία, την ορχήστρα και τους σολίστ, μένουν περίπου 350 άτομα στο κοινό, μια σημαντικά μειωμένη χωρητικότητα.

Για να διατηρήσουμε τη σχέση με το κοινό μας – την οποίο προφανώς είναι πολύ σημαντικό για μας να καλλιεργήσουμε – ανεβάσαμε πολλές παραγωγές στο διαδίκτυο, είτε από το αρχείο μας, είτε γυρίσαμε νέες, τις οποίες κάναμε αυτό το φθινόπωρο. Είχαμε πολύ θετικά σχόλια από το κοινό μας και λογικούς χρόνους παρακολούθησης. Είναι πάντα συναρπαστικό να παρατηρείς πόση ώρα το κοινό μένει στο διαδίκτυο. Το κοινό μας μένει κατά μέσο όρο για 25 λεπτά. Εφόσον η μορφή τέχνης μας αφορά τρίωρες εμπειρίες, αυτό είναι κατά μία έννοια απογοητευτικό, αλλά για διαδικτυακό περιεχόμενο, 25 λεπτά είναι πολύ μεγάλο, είναι υψηλό επίπεδο ενασχόλησης, οπότε είμαστε πολύ ευχαριστημένοι με αυτό.

Νομίζω ότι κάναμε ένα είδος διαφορετικής επιλογής στην Κοπεγχάγη σε σχέση με πολλές άλλες όπερες στην Ευρώπη, δηλαδή γυρίσαμε τις παραγωγές μας μάλλον φθηνά. Δεν επενδύσαμε κάποιο τεράστιο ποσό σε πολλές κάμερες, αλλά φέραμε μια φανταστική ομάδα ήχου και βίντεο στον οργανισμό – είναι μια πραγματική επένδυση για το θέατρο – και αυτό μας επέτρεψε να αναπτύξουμε έναν πολύ οικονομικό τρόπο δημιουργίας περιεχομένου και διάθεσής του στο κοινό. Και αυτό που διαπιστώσαμε είναι ότι το κοινό που αγαπά την όπερα θέλει πολύ να παραμείνει σε επαφή με το περιεχόμενο,  – στην πραγματικότητα αυτό που θέλουν είναι να ακούσουν τους τραγουδιστές μας, να δουν τις παραγωγές μας. Θα είμαι ο πρώτος που θα παραδεχτεί ότι τα προϊόντα μας δεν είναι πολύ λεπτοδουλεμένα από την άποψη της τεχνολογίας, αλλά βρίσκουμε έναν τρόπο να βγάλουμε περιεχόμενο εκεί έξω και πιστεύω ότι το κοινό μας αυτό  εκτιμά  πραγματικά.

«Η Εθνική Λυρική Σκηνή. Είναι μια εταιρεία γεμάτη φιλοδοξία, και με πολλούς υπέροχους τραγουδιστές».

– Δεδομένου ότι έχετε τονίσει την οικονομική πτυχή του έργου, η Κεντρική Τράπεζα της Κοπεγχάγης ανακοίνωσε πρόσφατα ότι τα περιουσιακά στοιχεία των νοικοκυριών της Δανίας είχαν μεγαλύτερη αξία από ό, τι πριν από την πανδημία. Αναρωτιέμαι αν αυτή η εύρωστη οικονομία αντικατοπτρίζεται στην ευημερία και τη χρηματοδότηση της Όπερας.

Ενδιαφέρον. Δεν γνώριζα ότι ο πλούτος των Δανών είχε αυξηθεί στη μέση της πανδημίας, θα ήταν συναρπαστικό να καταλάβω τους λόγους για αυτό, διότι γνωρίζω ότι στην πλειονότητα της υπόλοιπης Ευρώπης αυτό δεν ισχύει. Η εντύπωσή μου είναι ότι τα οικονομικά της Δανίας υπόκεινται σε τεράστια πίεση, όπως παντού αλλού, επειδή πληρώνονται πολλά χρήματα σε σημαντικό αριθμό ανθρώπων, επειδή το κόστος υγείας έχει αυξηθεί και επειδή τεράστιοι τομείς της οικονομίας, συμπεριλαμβανομένων προφανώς της φιλοξενίας και του πολιτισμού, έχουν κλείσει τελείως για σημαντική χρονική περίοδο. Νομίζω ότι είναι μια πολύ δύσκολη περίοδος οικονομικά.

«Ηταν μια παράξενη εμπειρία στην Αθήνα να σκηνοθετείς εν μέσω της πανδημίας και του lockdown».

Το θέατρο είναι κρατικός οργανισμός και νομίζω ότι αυτό σημαίνει ότι υπάρχει εμπιστοσύνη για τη θέση μας στην κοινωνία. Έχουμε ένα ευρύ κοινό στη Δανία και υπάρχει μια γενική πολιτική συναίνεση ότι το Βασιλικό Θέατρο προσφέρει κάτι πολύτιμο σε όλους τους Δανούς. Σε αυτό το πλαίσιο έχουμε εμπιστοσύνη ότι θα βρούμε έναν τρόπο πλοήγησης. Αλλά φυσικά είναι μια τεράστια πρόκληση για το θέατρο οικονομικά, επειδή έχουμε χάσει πολλά έσοδα και είναι εξαιρετικά δύσκολο για τους καλλιτέχνες μας, που πρέπει να διατηρήσουν τους μύες τους, είτε πρόκειται για φωνητικούς μύες είτε για μύες χορευτών μπαλέτου. Εργαζόμαστε πολύ σκληρά για να έχουμε το κτίριο διαθέσιμο για τους τραγουδιστές να έρθουν και να εξασκηθούν όταν επιτρέπεται και εργαζόμαστε αρκετά σκληρά για να συνεχίσουμε να προσφέρουμε μουσικούς προετοιμαστές στους τραγουδιστές, ώστε να μπορούν να συνεχίσουν να προετοιμάζονται για τους μελλοντικούς τους ρόλους. Νομίζω ότι είναι σημαντικό όλοι οι καλλιτέχνες μας να υποστηρίζονται από το θέατρο για να επικεντρωθούν στο φως στο τέλος του τούνελ, γιατί το τούνελ το ίδιο είναι ένα πολύ σκοτεινό μέρος για πολλούς καλλιτέχνες.

– Καταφέρατε να σκηνοθετήστε εκτός της Βασιλικής Όπερας της Δανίας αυτήν την περίοδο;

Τείνω να απομακρύνομαι από τη Βασιλική Όπερα μία φορά τη σεζόν. Αυτή τη σεζόν ήρθα στην Αθήνα για τον Don Giovanni, προτού επιστρέψω στη Δανία, όπου ξεκίνησα τη σεζόν με μια νέα παραγωγή του Fidelio. Φυσικά,  ήταν μια παράξενη εμπειρία [στην Αθήνα] να σκηνοθετείς εν μέσω της πανδημίας και του lockdown. Τόσο οι τραγουδιστές όσο και η δημιουργική ομάδα φορούσαν μάσκες κατά τη διαδικασία των δοκιμών μέχρι την γενική δοκιμή – έτσι ήταν μια διαδικασία που δεν έμοιαζε με οποιαδήποτε άλλη με την οποία έχω εμπλακεί. Όμως, παρά τους περιορισμούς, νομίζω ότι ήμασταν όλοι πιο συνειδητοποιημένοι από ό,τι συνήθως για το εξαιρετικό προνόμιο  του να δουλεύουμε με τη μουσική και με το θέατρο και ήμουν γεμάτος θαυμασμό για την αφοσίωση, το πάθος και την καλή θέληση όλων των συμμετεχόντων τόσο στη σκηνή όσο και εκτός σκηνής στην Εθνική Λυρική Σκηνή. Είναι μια εταιρεία γεμάτη φιλοδοξία, και με πολλούς υπέροχους τραγουδιστές.

Προσεγγίζοντας τον Don Giovanni θέλαμε να βρούμε μια διαδρομή μέσα από το κομμάτι που παίρνει στα σοβαρά τόσο το χιούμορ όσο και το σκοτάδι στην όπερα. Αυτή η όπερα πρέπει να είναι τόσο διασκεδαστική όσο και ανησυχητική. Θα θέλαμε να παίξουμε την παράσταση για το κοινό, καθώς νομίζω ότι μαθαίνει κανείς πολλά για τη ρύθμιση των τελευταίων λεπτομερειών ενός έργου όταν συναντάτε το κοινό.

Έχουμε μεταφέρει τη δράση στο πλαίσιο ενός ξενοδοχείου. Τα ξενοδοχεία είναι υπέροχοι δημόσιοι χώροι συνάντησης όπου αλληλεπιδρούν διαφορετικές ομάδες ατόμων και τάξεων. Τα ξενοδοχεία είναι, κατά κάποιον τρόπο, θεατρικές σκηνές. Δημιουργώντας την ψευδαίσθηση του αχρησιμοποίητου είναι τέλεια παραδείγματα του αυτοτελούς και τεχνητού αστικού κόσμου που απαιτεί η όπερα του Ντα Πόντε και του Μότσαρτ. Τα ξενοδοχεία είναι μέρη που καθαρίζονται μετά την αποχώρησή σας. Ποιος ξέρει πόσο συχνά όλοι κοιμηθήκαμε σε κρεβάτια όπου το προηγούμενο βράδυ κάποιος είχε ερωτευτεί, ή σπάραξαν την καρδιά του ή ακόμα και πέθανε. Στο τέλος της όπερας, κάθε φυσικό ίχνος του Don Giovanni εξαφανίζεται, παρόλο που παραμένει ζωντανό στο μυαλό όλων όσων τον συναντούν. Οι ζωές τους δεν θα είναι ποτέ ξανά οι ίδιες – καθώς όταν έχετε αντιμετωπίσει απεριόριστη ελευθερία, είναι αδύνατο να την επαναφέρετε στο κουτί της.

«Η λυρική τέχνη είναι δεξιοτεχνική και όταν έχετε τον έλεγχο του οργάνου σας, τότε το κοινό απολαμβάνει την ελευθερία που έχετε να εκφράσετε συναισθήματα».

«Η όπερα φέρνει κοντά τους ανθρώπους, φέρνει κοντά διαφορετικούς ακροατές και καλλιτέχνες».

– Με αυτή την αφορμή θα ήθελα να ανοίξω τη συζήτηση για τις σύγχρονες σκηνοθεσίας όπερας.

Αυτό που λατρεύω στην όπερα είναι ο τρόπος που φέρνει κοντά τους ανθρώπους, φέρνει κοντά διαφορετικούς ακροατές και καλλιτέχνες. Η χαρά του να είσαι σκηνοθέτης είναι ότι συνεργάζεσαι με μια εξαιρετική σχεδιαστική ομάδα και, στη συνέχεια, με υπέροχους τραγουδιστές και μαζί παρουσιάζετε μια όπερα από μια περασμένη εποχή – πολύ συχνά, αλλά όχι πάντα – για ένα σύγχρονο κοινό, για να τη φέρετε στη ζωή όσο πιο έντονα γίνεται. Και μερικές φορές φυσικά αυτό σημαίνει ότι επιλέγετε να την τοποθετήσετε στην αρχική περίοδο, μερικές φορές επιλέγετε να την τοποθετήσετε σε διαφορετική περίοδο. Ποια είναι η σωστή στάση, νομίζω ότι σχετίζεται πολύ με το πού εκτελείται, με το πότε εκτελείται, με το τι θα είναι ευανάγνωστο για συγκεκριμένο κοινό σε συγκεκριμένο μέρος. Όταν πρόκειται να κάνω μια νέα παράσταση, θέλω να μάθω για τον λυρικό οργανισμό, πώς λειτουργεί στη σχέση του με το κοινό του και, στη συνέχεια, μπορείτε να σκεφτείτε ποια είναι η σωστή επιλογή να κάνετε. Εάν στραφώ σε ένα συγκεκριμένο παράδειγμα, πώς κάνω τον Don Giovanni, θα ήταν διαφορετικό σε διαφορετικές χώρες. Σκηνοθετείτε με έναν τρόπο στη Γερμανία, διαφορετικά στη Σκανδιναβία. Το θέμα για κάθε θεατρική παράσταση είναι η συνομιλία μεταξύ καλλιτεχνών και κοινού, δεν αφορά απλώς καλλιτέχνες που κάνουν δηλώσεις.

– Αλλά αυτός ο Don Giovanni είναι για τρία διαφορετικά θέατρα σε τρεις διαφορετικές χώρες (Αθήνα, Γκέτενμπουργκ, Κοπεγχάγη), οπότε πιο από αυτά έχετε υπόψη σας;

Φυσικά πρέπει να τα σκεφτείτε όλα αυτά, τεχνικά και αισθητικά. Πρέπει να σκεφτείτε πώς να πείτε μια ιστορία με τρόπο που να έχει απόκριση και στα δύο μέρη. Φυσικά, αυτό σημαίνει ότι ορισμένες συμπαραγωγές είναι δύσκολες, υπάρχουν λίγες συμπαραγωγές μεταξύ, για παράδειγμα, βρετανικών οπερών και γερμανικών οπερών, οι οποίες έχουν ακραίες παραδόσεις regietheater (θέατρο του σκηνοθέτη), τέτοιες συμπαραγωγές δεν έχουν πραγματικά νόημα, επειδή το κοινό έχει αναπτύξει την αισθητική τους με διαφορετικούς τρόπους. Νομίζω ότι στην πραγματικότητα οι συμπαραγωγές μεταξύ Ελλάδας και Σκανδιναβίας είναι πολύ καλές, επειδή υπάρχει ένα μορφωμένο και αφοσιωμένο κοινό όπερας και στα δύο μέρη, και υπάρχει μια πολύ ισχυρή παράδοση αφηγηματικού θεάτρου με όρεξη να πούμε την ιστορία της όπερας πολύ καθαρά, έτσι σε αυτό το πλαίσιο η αισθητική του κοινού συμπίπτει.

«Η καλή σκηνοθεσία στηρίζεται με προσοχή στο μουσικό κείμενο, στη μουσική και βασίζεται σε αυτό το είδος συνεργασίας.».

– Επειδή αναφέρατε το regietheater, ορίζετε τον εαυτό σας με αυτόν τον τρόπο;

Λοιπόν, υποθέτω ότι αυτό θέτει το ερώτημα: «τι είναι το regietheater»; Εάν το regietheater ασχολείται με ένα κείμενο για να ρωτήσει τι σημαίνει αυτό για εμάς σήμερα και έπειτα ο σκηνοθέτης να παίξει τον ρόλο του «δημιουργού» που δημιουργεί την εμπειρία για το κοινό, νομίζω ναι, σχεδόν κάθε σκηνοθέτης σήμερα κάνει regietheater, αυτή είναι η εποχή όταν ζούμε τη διαδικασία του επιμελητή [curator], και αυτή καθοδηγείται έντονα από την προοπτική του σκηνοθέτη. Αλλά εάν regietheater σημαίνει έναν στενό ορισμό, όπως νομίζω ότι μερικές φορές συμβαίνει, λαμβάνοντας δηλαδή υπόψη την προοπτική του σκηνοθέτη πάνω από όλα, θεωρώντας ότι αυτό που έχει σημασία περισσότερο από οτιδήποτε άλλο είναι η προοπτική του σκηνοθέτη, τότε, όχι, δεν εννοώ αυτό. Η σχέση που νομίζω ότι έχει ύψιστη σημασία στην όπερα είναι η σχέση μεταξύ του αρχιμουσικού και του σκηνοθέτη. Οι καλύτερες εμπειρίες μου στην Κοπεγχάγη ως καλλιτεχνικός διευθυντής και σκηνοθέτης ήταν όταν δημιούργησα μια πολύ ισχυρή σχέση με τον αρχιμουσικό, και τότε μέσω της παραγωγής μπορείτε να εξυπηρετήσετε το μουσικό όραμα του κομματιού, είστε σε θέση να παραδώσετε το μουσικό τους όραμα. Νομίζω ότι η καλή σκηνοθεσία στηρίζεται με προσοχή στο μουσικό κείμενο, στη μουσική και βασίζεται σε αυτό το είδος συνεργασίας.

– Ο ίδιος έχετε σπουδάσει τραγούδι.

Πριν από πολύ καιρό είχα τη χαρά να τραγουδήσω σε καλές χορωδίες.

Στο Cambridge;

– Ναι, ήταν προνόμιο και τιμή να ποιώ μουσική σε πολύ υψηλό επίπεδο με μια υπέροχη ομάδα ανθρώπων.

– Αυτό επηρεάζει τις επιλογές σας, για παράδειγμα στη διανομή; Υπήρξε αμφιβολία ότι σε ορισμένες περιπτώσεις οι καλλιτέχνες επιλέχθηκαν για τη σκηνική τους παρά για τη φωνητική τους ικανότητα.

Υπάρχουν πλούσιες συζητήσεις για το τι είναι κατάλληλο στην ισορροπία των πολλών διαφορετικών πτυχών που εμπλέκονται στο casting. Εξαρτάται πάρα πολύ από το ρεπερτόριο και το έργο. Είναι λάθος να ισχυριστούμε ότι η φωνητική τεχνική δεν έρχεται πρώτη, αυτή είναι η προϋπόθεση, έτσι δεν είναι;

– Θα μπορούσε κανείς να διακρίνει τη φωνητική τεχνική από τη φωνητική έκφραση;

Θα έλεγα ότι η τεχνική έρχεται πρώτη. Η λυρική τέχνη είναι δεξιοτεχνική και όταν έχετε τον έλεγχο του οργάνου σας, τότε το κοινό απολαμβάνει την ελευθερία που έχετε να εκφράσετε συναισθήματα. Για να είμαι ξεκάθαρος, δεν προτείνω ότι όταν αναπτύσσεστε ως τραγουδιστής, παραμερίζετε την έκφρασή σας έως ότου κατακτήσετε την τεχνική σας, δεν το εννοώ καθόλου. Μου αρέσει να ακούω τραγουδιστές που είναι ελεύθεροι, που έχουν μια ισχυρή σταθερή τεχνική και μέσω αυτού του επιπέδου τεχνικής είναι σε θέση να εκφράσουν τα συναισθήματά τους, τις σκέψεις τους.

«Χρειάζεται να ξεκλειδώσουμε τη μουσική και να την εξερευνήσουμε με έναν πραγματικά απελευθερωτικό τρόπο».

– Πώς δουλεύετε με τους τραγουδιστές στη σκηνή, πώς τους καθοδηγείτε. Κάνετε κυρίως όπερα.

Κυρίως όπερα και περιστασιακά μιούζικαλ. Ο τρόπος εργασίας εξαρτάται πολύ από το έργο. Πρέπει πρώτα να παρουσιάσω ένα πολύ σαφές όραμα ενός έργου και μετά να δουλέψω πραγματικά συνεργατικά. Αυτό ταιριάζει με τη σκανδιναβική νοοτροπία, όπου όλοι οι παρευρισκόμενοι στο δωμάτιο έχουν να προσφέρουν τη δημιουργική τους συμβολή. Είναι καλό να κάνετε διάλογο με τους τραγουδιστές και τον αρχιμουσικό για το τι συμβαίνει σε μια σκηνή και πώς είναι καλύτερο να το κυκλοφορήσετε.

«Μπορώ να ακούω τον Μπαχ όλη μέρα κάθε μέρα. Είναι ένα τόσο συναισθηματικά ακριβές σύμπαν».

– Συνεργαστήκατε με την Royal Opera House, Covent Garden, πριν μπείτε στη δανική Royal Opera. Πόσο διαφορετικά είναι αυτά τα δύο ιδρύματα;

Φυσικά έχουν πολλές ομοιότητες και πολλές διαφορές. Επειδή μιλάμε για τραγούδι, μια από τις μεγαλύτερες διαφορές είναι ότι στο Λονδίνο δεν υπάρχει σύνολο, αλλά στην Κοπεγχάγη υπάρχει ένα σύνολο. Έτσι, στο Λονδίνο είναι πραγματική χαρά να συνεργάζομαι με εξαιρετικούς τραγουδιστές, όπως ο Juan Diego Flores ή η Joyce Di Donato, πραγματικά αστέρια γύρω από τους οποίους μπορείτε να δημιουργήσετε εξαιρετικές θεαματικές παραγωγές, οι οποίες με κάποιο τρόπο χρησιμεύουν ως οχήματα για αυτούς.

Αλλά στην Κοπεγχάγη υπάρχει ένα σύνολο από τραγουδιστές πολύ υψηλού επιπέδου. Δεν είναι σύνολο που τραγουδά μικρούς ρόλους. είναι διεθνείς τραγουδιστές που αναζητούνται πέρα ​​από τα σύνορα σε μεγάλα θέατρα και ταυτόχρονα είναι μέλη του συνόλου. Γνωρίζουν ο ένας τον άλλον πολύ καλά, υπάρχει ένα πολύ υψηλό επίπεδο εμπιστοσύνης μεταξύ τους, μια ισχυρή αίσθηση του πώς λειτουργούν στις δοκιμές. Αυτό σημαίνει ότι υπάρχει μια έντονη αίσθηση ενός ύφους ερμηνείας, ότι απελευθερώνει μια έντονη αίσθηση συνόλου στη σκηνή, υπάρχει ένα είδος μουσικής και δραματικής χημείας. Ήταν πραγματική χαρά να γνωρίσω το σύνολο και να συνεργαστούμε. Κάθε όπερα περιλαμβάνει μερικά μέλη του συνόλου και ορισμένες μετακλήσεις, επειδή δεν έχουμε όλους τους τύπους φωνής στο σύνολο. Είναι πάντα χαρά να φέρνουμε τραγουδιστές σε ένα σύνολο, γιατί φέρνουν φρέσκια ενέργεια και εκτιμούν την παιδεία αν θέλετε και τη σοβαρότητα του έργου που συνεχίζεται μέσα σε ένα θεατρικό σύνολο, η οικειότητα που υπάρχει μεταξύ των ερμηνευτών στην αρχή της διαδικασίας των δοκιμών.

– Ποια είναι τα μελλοντικά σας σχέδια;

Αυτή τη στιγμή η εικόνα του ορίζοντα είναι πολύ μικρή. Ανυπομονώ να – ελπίζω – αμέσως μετά το Πάσχα, να κάνω ένα έργο με τον Hofesh Shechter, έναν υπέροχο χορογράφο, χρησιμοποιώντας μουσική του Bach από τις καντάτες που ασχολείται με τη στάση μας απέναντι στον θάνατο. Συγκεντρώσαμε μαρτυρίες από ανθρώπους που ήταν πολύ κοντά στο θάνατό τους τους τελευταίους μήνες και θα το χρησιμοποιήσουμε ακροαματικά, θα παίξουμε τα αρχεία ήχου μέσα στη χορογραφία της μουσικής του Bach. Πρόκειται για ένα έργο στο οποίο προσβλέπω με ανυπομονησία γιατί ο αγαπημένος μου συνθέτης νομίζω ότι είναι πιθανώς ο Μπαχ.

– Αυτό είναι κάπως περίεργη επιλογή για σκηνοθέτη όπερας.

Ακριβώς. Μπορώ να ακούω τον Μπαχ όλη μέρα κάθε μέρα. Είναι ένα τόσο συναισθηματικά ακριβές σύμπαν.

– Παρ’ όλ’ αυτά, κάνετε κάτι νέο, προσδιορισμένο στο σήμερα, με πολύ παλιά μουσική. Φαίνεται ότι κάνουμε πειράματα στην όπερα, αλλά το λιγότερο με το οποίο πειραματιζόμαστε είναι η νέα μουσική.

Τώρα πραγματικά θίγετε ένα ζήτημα. Είναι σημαντικό να αναθέτουμε τακτικά νέα μουσική, να έχουμε νέα μουσική ως μέρος των προγραμμάτων μας, και αυτή είναι μια πολύ περήφανη παράδοση στη Δανία – εσείς παρακολουθήσατε τη Snedronningen (του Hans Abrahamsen το 2019), και έχουμε την τάση να έχουμε μια νέα παραγγελία κάθε σεζόν, μια ολοκαίνουργια όπερα κάθε σεζόν. Αυτό είναι πολύ σημαντικό.

Αλλά νομίζω ότι είναι κάτι ελαφρώς μεγαλύτερο από αυτό και σχετίζεται με το πώς η όπερα αντιμετωπίζει την ιστορία και αντλεί από την ιστορία. Και κατά κάποιον τρόπο δεν αφορά μόνο την παραγγελία νέων έργων, αλλά και την εξερεύνηση της παλιάς μουσικής με νέους τρόπους, το να είμαστε ανοιχτοί στη ζωντάνια του ερμηνευτικού φάσματος. Με ρωτήσατε προηγουμένως για το regieteater, λοιπόν θα έλεγα ότι αυτό που χρειαζόμαστε και αυτό που όλοι πρέπει να ασχοληθούμε είναι το regiemusik, να ξεκλειδώσουμε τη μουσική και να την εξερευνήσουμε με έναν πραγματικά απελευθερωτικό τρόπο. Να εμπνευστούμε από το παρελθόν και να το ερμηνεύσουμε εκ νέου σήμερα.

 

Διαβάστε ακόμα: Γκούσταφ Κλιμτ – μια ιστορία του ματιού.

 

 

 

 

 

x Ακολουθήστε το Andro στο Facebook

Button to top